[ʁu.ˈʒɛ.ɾi.u ˈnu.nu ˈkɔʃ.tɐ]
Perdido no Abismo
(2017-2021)
Ponto de partida
Missed-en-Abîme consiste numa colaboração interdisciplinar entre artistas de Portugal e da Finlândia, correspondendo à fase final de um projecto de investigação em curso sobre as intersecções entre Arte, História e Solidão, que Rogério Nuno Costa desenvolve desde 2015, abrangendo nos campos da filosofia, literatura, geografia e psicologia. A estrutura da performance baseia-se num texto semi-autobiográfico/semicrónico, sugerindo uma reescrita crítica da narrativa hegemónica da história da arte (pós-A Fonte de Duchamp) através de uma lente queer e não normativa. O projeto compreende uma performance/instalação (a ser realizada no espaço do museu de arte contemporânea), um livro conceitual e um curta-metragem. Tomando a poética do artista solitário como ponto de partida visual, literário e dramatúrgico, a peça assenta num monólogo dialógico, escrito multilinguemente em português, francês, inglês e finlandês. A par do objecto textual como elemento central da performance, são apresentadas obras audiovisuais comissionadas: o artista visual português Luís Lázaro Matos, o artista sonoro finlandês Niko Skorpio, o light designer finlandês Kristian Palmu e as historiadoras de arte e pedagogas portuguesas Andreia Coutinho e Maribel Mendes Sobreira (Colectivo FACA). Pela interligação entre texto, movimento e luz/vídeo projetado, a peça pretende iniciar um diálogo entre campos, uma proposta para a construção de uma zona tampão artística, um laboratório experimental isolado onde um grupo de artistas pode testar a possibilidade de solidão. podem experimentar enquanto estão juntos. Por outras palavras: a construção de uma “união solitária”, questionando em última análise a noção primária de trabalho colectivo. Por fim, Missed-en-Abîme pretende (re)construir retoricamente a história alternativa daqueles silenciados, oprimidos ou invisibilizados. Um elogio literário ao fracasso (d'après Judith Halberstam) através do isolamento auto-escolhido; não um individualismo egoísta, mas sim um “isolacionismo conceitual”. Uma cura através do sofrimento. Uma experiência ascética e mística.
“Estudos para uma performance sobre invisibilidade”
CAMPUS Paulo Cunha e Silva, Porto, July 2021
Ph © Jani Nummela
Conceituação Adicional
Em 1917, Marcel Duchamp escreve 1917 num urinol invertido. Em 1919, desenha um bigode no retrato mais importante da história da arte, não o original (não é Banksy), nem sequer uma reprodução (o Pop ainda estava para ser inventado), mas um retrato que ele próprio pintou, copiando o “original” e, ao fazê-lo, quase repetindo Melville: preferiria não o fazer. Em 1921, Man Ray fotografa Duchamp como Rrose Sélavy, completando assim o círculo, ou então abrindo caminho para o desaparecimento do artista. Um século depois, ainda não sabemos como lidar, histórica e artisticamente, com estes empreendimentos radicais, ora desacreditando-os (ou atribuindo-lhes novas autorias...), ora assumindo uma irresolução histórica algo intransponível. Mais do que tentativas inteligentes de revolucionar, chocar ou transgredir o mundo da arte (ou de profetizar o fim da própria arte, alguns poderiam ter dito…), estes epifenômenos históricos escondem uma busca mais obscura por um ostracismo e uma solidão auto-impostos. MISSED-EN-ABÎME pretende falar daquele gesto (centenário) que pode ser interpretado como destruição, revelação ou simplesmente ostracismo auto-imposto, como se fosse impossível fazer qualquer coisa depois de ter obliterado (quase) tudo. Duchamp passou décadas sem fazer “nada”, razão pela qual o romancista espanhol Enrique Vila-Matas decidiu dedicar-lhe algumas notas de rodapé no seu romance sobre os autores negativos, aqueles que decidiram parar de pressionar a caneta e deixar que o silêncio falasse ( Bartleby & Co., 2000): "Uma vez, em Paris, o artista Naum Gabo pergunta a Marcel Duchamp o motivo de ter parado de pintar. Mais que voulez-vous?, responde Duchamp, levantando os braços no ar. Je n'ai plus ideias!". Inspirado neste impasse, MISSED-EN-ABÎME ritualiza um isolacionismo estranho e sacrificial, ousando revisitar a negligência de Duchamp, evitando encontrar-lhe uma solução — « …parce qu'il n'y a pas de problème » —, antes aceitando o fracasso , afastamento, invisibilidade e esquecimento, talvez também desaparecimento, como atos de sobrevivência e resistência. Central de todo o projecto, o “texto performativo” autobiográfico apropria-se da fórmula de Vila-Mata, questionando: Como se pode escrever um livro que se apoia apenas nas notas de rodapé (desse mesmo livro)? Como escrever um “texto invisível”? As notas de rodapé não apenas enfeitam o texto; eles são o texto. Esta estratégia de dar à legenda tanta importância quanto à imagem legendada contém uma das operações mais fundamentais da minha prática interdisciplinar. Em MISSED-EN-ABÎME, pretendo ampliar e expandir esse padrão, em última análise, escrevendo-como-performance uma declaração artística sobre como alguém pode realizar um exercício de resistência a um lugar-comum — o teatro como uma ordem literária, artística e histórica estabelecida —, ao mesmo tempo que abraçamos as dramaturgias prontas do nosso trágico quotidiano: desvio, ruptura, esquecimento, perda... A estranha arte do fracasso transformando-se na estranha arte de nem sequer tentar.
Rogério Nuno Costa, 2020
Fotografia
¶ Museu de Arte Contemporânea de Serralves, The Museum As Performance, Porto, Portugal, setembro de 2021. Fotos de © Miguel Refresco
¶ Museu Coleção Berardo, Festival Temps d'Images, Lisbon, Portugal, November 2021. Photos by © Alípio Padilha
DOCUMENTAÇÃO FOTOGRÁFICA COMPLETA
PERDIDA - EN - AB Î ME
Written, directed, edited and performed by Rogério Nuno Costa. In collaboration with Luís Lázaro Matos, Kristian Palmu, Niko Skorpio, Colectivo FACA (Andreia Coutinho & Maribel Mendes Sobreira), Jani Nummela, Pie Kär, Miguel Refresco and Inês Carvalho e Lemos.
Financial support: República Portuguesa - Cultura / Direção-Geral das Artes. Co-production: Teatro Viriato (Viseu) and MUDAS. Museu de Arte Contemporânea da Madeira (Funchal). Mobility Support: TelepART - Instituto Iberoamericano de Finlandia.
Residências (Investigação e Criação): Rua das Gaivotas 6 (Lisboa), Là-Bas Studio/Kaapelitehdas (Helsínquia), Aalto University School of Arts, Design and Architecture (Espoo), Cité Internationale Universitaire de Paris – Maison du Portugal (Paris) , Paulo Cunha e Silva CAMPUS (Porto). Apresentações em andamento: Museu das Formas Impossíveis (Helsínquia), Parfums de Lisbonne (Paris).
Tour: Serralves Contemporary Art Museum (Porto, premiere), Festival Contradança (Covilhã), Festival Temps d’Images/Museu Coleção Berardo (Lisbon), Teatro Viriato/Festival END (Viseu), Teatro-Cine de Torres Vedras (Torres Vedras), Chão de Oliva/Festival Periferias (Sintra), MUDAS (Calheta, Madeira).
With the support of: A Bela Associação (Almada), CAMPUS Paulo Cunha e Silva (Porto), Estrutura (Porto), Ballet Contemporâneo do Norte (Sta. Maria da Feira), Teatro Feiticeiro do Norte (Funchal).
Psicobiografia de um herói perdedor
_livro de artista_
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Às vezes, ele é dominado por breves momentos de clarividência, quando reconhece que a linha que está cruzando, que parece reta, é na realidade uma microparte da grande viagem de circunnegação que ele, anti-heroicamente, se aventurou a empreender. Para trás e em círculo. Sem correção retroativa da realidade. Apenas colapso e imensidão. Nosso heróico perdedor existe porque é invisível. Meio-existe. Isso, diz ele, é uma projeção. Uma dor adiada. E lá fica ele, reflectindo-se no espelho do Mundo, numa deriva diabólica, numa submissão contida. Lembra-se dos Amigos que lhe ensinaram, ao longo do funil invertido que tem sido a sua vida, que o que dói aos pássaros não é que sejam alvejados, mas que, uma vez alvejados, o caçador não os perceba que caem.
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Contribuições (textuais/visuais/ambas):
Alípio Padilha, Ana Rito & Hugo Barata, António Olaio, Colectivo FACA (Andreia Coutinho & Maribel M. Sobreira), David Pissarra, Eduarda Neves, Graça dos Santos, Jani Nummela, João Pedro Azul, Luís Lázaro Matos, Miguel Refresco, Rogério Nuno Costa.
“Quais histórias se perdem no silêncio?”
Colectivo FACA
_oficina_
Um workshop do Colectivo FACA (Andreia Coutinho e Maribel Mendes Sobreira) em diálogo com a performance/instalação “Missed-en-Abîme”, de Rogério Nuno Costa
Começaremos com a premissa do jogo: quem perde e quem ganha? Que dados são usados pelos jogadores? Para isso partiremos da ideia de Duchamp que “(…) a posteridade estabelece o seu veredicto final e, por vezes, reabilita artistas esquecidos”, para entendermos em conjunto como é que partes invisíveis se mostram, e que possibilidades podem surgir nesse desilenciar que se ligam à ideia de herói perdedor. Nesta perspectiva, olharemos para as obras de arte através do órgão do silêncio, que histórias não nos contam quando nos fixamos na camada superficial da sua visibilidade? O que significa a dicotomia visível-invisível do nosso herói perdedor? Neste workshop, falaremos dos percursos artísticos e de vida pouco mencionados pela História hegemónica que silencia, e obriga a silenciar, outros corpos e as suas produções inacabadas. Toda a história é centrada na construção de um génio e de um herói, mas quem perde quando os silêncios que foram inviabilizados se visibilizam? Venham jogar connosco ao herói perdedor!
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O Colectivo FACA é um projeto de cidadania ativa constituído por Maribel Mendes Sobreira e Andreia Coutinho. Desenvolve trabalho com uma vertente curatorial e educativa com vários públicos, ampliando a perspetiva acerca do outro e a História, propondo discussões, exposições e visitas guiadas para propor o pensamento em torno das temáticas do feminismo, colonialismo, racismo, LGBTQI e não normatividade no contexto da cultura visual. Maribel Mendes Sobreira é arquiteta com pós-graduação em Património Urbano, mestre em Filosofia e doutoranda em Filosofia (FLUL) na área da Estética e Filosofia da Arte, com uma bolsa de investigação da FCT. É membro dos International Society for the Philosophy of Architecture e Centro de Filosofia da Universidade de Lisboa. Coordena o Núcleo de estudos Simmelianos da Universidade de Lisboa. Tem publicado artigos na área da reflexão sobre a arquitetura, património urbano e teoria da arte. Concebe e orienta atividades de sensibilização para as artes e arquitetura, colaborando com o Museu Coleção Berardo desde 2007. Andreia Coutinho é mediadora educativa e ilustradora. Licenciada em Pintura pela FBAUL e Master of the Arts em Ilustração pela Kingston University (2015). Autora da zine “Hair” publicada pela SapataPress. Trabalha em museus desde 2010, em Portugal e no Reino Unido. Colabora com o Museu Coleção Berardo desde 2011.
Apêndice
Estar apaixonado é sentir o sol brilhando dos dois lados. Terminei minha última apresentação com este provérbio. Começarei minha próxima apresentação reformulando-a: Acredito no ódio à primeira vista. Isso tudo é muito insensato, mas essa insensatez tem uma boca bonita e sorri. Há um futuro brilhante sobre ela, mas ela desaparece dia após dia.
Eu me pergunto se posso fazer isso.
Estou convencido de que só percorrendo o labirinto dos autores negativos se poderá abrir o caminho para esse futuro. Eu me pergunto se posso evocá-los. Escreverei notas de rodapé comentando um texto que é invisível, o que não significa que seja inexistente. O texto é um texto fantasma. O texto fantasma poderá muito bem acabar suspenso durante os próximos anos. É uma projeção. Uma dor adiada.
Kramer contra Kramer: 1) Estamos na terra. Não há cura para isso. 2) Uma lista na Wikipédia com todos os inventores que foram mortos pelas suas próprias invenções. Arte.
Eu me pergunto se posso fazer isso.
Meus amigos me ensinaram que os pássaros não se machucam quando o caçador os atira, mas, uma vez atingidos, o caçador não percebe sua queda.
Lembro-me de Rilke, para quem a vida, como tal, pura e livre das determinações particulares que a qualificam e delimitam, assemelhava-se à morte; espaço oco e impreciso, ausência e concavidade. “Quando é o presente?”, ele se perguntou, quase soando como Beckett. Na verdade, para quem quer imitar Beckett basta escrever: “Não, nunca, nunca, não”.
Preocupava-se com aqueles seres “que parecem viver como se viver fosse a coisa mais natural do mundo”. A vida perderia toda a sua natureza e conteúdo, nunca óbvio no seu curso, mas vazio e irreal; a vida vista como algo que passa por nós, nunca através de nós, como um rio contemplado a partir de uma de suas margens.
“Então, quando vamos viver?”. Esta pergunta é feita por Oblomov, o mais preguiçoso e indolente de todos os personagens russos, e o herói absoluto do melhor romance já escrito sobre a ociosidade.
Vejamos: Oblomov é um aristocrata jovem e indefeso, incapaz de fazer qualquer coisa na vida. Ele dorme muito, boceja continuamente e fica preguiçoso o dia todo com seu manto puído. Ele não faz nada, absolutamente nada. Encolher os ombros é seu gesto favorito. Sua única aspiração consiste em ficar deitado o maior tempo possível; uma rebelião modesta, mas envenenada. Autonegligência como último ato de resistência.
A vida flui, mas apenas ao seu lado, ou ao seu sofá. Na verdade, a vida nunca passou por ele. Por ser livre de toda ação e impulso, Oblomov é uma alma completamente feliz, habitando graciosamente esse entorpecimento de natureza hamletiana, uma atmosfera de dias repletos de transições imprevisíveis e incertezas flutuantes. A retirada é a sua única ação concreta: o “direito de sair”, como afirmaria Baudelaire. Para abraçar plenamente esse direito, devemos reconhecer o seguinte: para escapar de um lugar, é melhor deixar-nos permanecer nele. E então percebemos que é só a vida passando por nós, ao nosso lado, ao lado da história.
Monotonia.
Aqui está outra coisa importante que aprendi com meus amigos: nunca comece com as coisas boas e velhas, mas sim com as coisas novas e ruins. Talvez esse caminho futuro seja de fato um caminho de escombros e cinzas, um vislumbre de um não-caminho, porque nos leva até onde estamos. Aqui.
Eu me pergunto se posso fazer isso…
Toda esta bobagem, a existência de Deus, o ateísmo, o determinismo, a libertação, as sociedades, a morte, o esquecimento, o sexo e o silêncio, são peças de um jogo de xadrez chamado linguagem, e só são divertidas se não nos preocuparmos em ganhar ou perder o jogo. jogo. Um empate técnico eterno. Ou, como diria Georges Steiner, aquele tédio sem fim chamado pós-modernidade.
Este sou eu. Comprando. Tempo. E é muito barato! É quase de graça!
A arte negativa do Não é a arte de saber quando um peão de xadrez é mais valioso que os outros, e então, naquele exato momento, poder sacrificá-lo. É no vazio criado pela perda do que há de mais precioso que surge a oportunidade, a influência é maximizada e o desejo se torna destino. Por exemplo, neste tabuleiro de xadrez o peão mais valioso é chamado de Compromisso. Portanto, para que este jogo termine, o Compromisso deve ser sacrificado.
Ainda estou me perguntando se posso fazer isso. E, no entanto, aqui estou eu, lendo as notas de rodapé de um texto invisível, enquanto ouço Oblomov cantando. Sim, Oblomov canta:
Uma estrada aberta onde posso respirar
Onde o mais baixo está me chamando
Eu posso me puxar de volta para baixo
Presos juntos como um readymade
E minhas malas estão esperando
Na próxima vida
…
Quem não quer ser um Oblomovista? Tudo o que fazemos é numa vã tentativa de recuperar algum paraíso perdido. Todos nós buscamos paz e descanso. No fundo, todos nós queremos morrer.
Diga não. Diga nunca. Diga nunca. Diga não… Anotado.
No xadrez, o final do jogo é aquela série de movimentos no final do jogo, quando o resultado óbvio geralmente é decidido antes que ocorra a formalidade do jogo. Os jogadores continuam jogando porque não há mais nada que possam fazer. Eles jogam para empatar. Indefinidamente. Beckett era jogador de xadrez; em sua peça Endgame, ele compara o xadrez ao jogo da vida, no qual a morte é o resultado inevitável. Os personagens – ou jogadores – realizam rituais repetitivos, como um jogador perdedor que se esforça nos movimentos finais mesmo que sua morte seja iminente. Os personagens criam rotinas em suas vidas e fazem o que for preciso para sobreviver mais um dia, mesmo que o jogo tenha perdido qualquer apelo que pudesse ter. A jogada termina com um impasse, um empate, um jogo que ninguém ganhou, nem perdeu, e que se repetirá amanhã.
Eu me pergunto se posso fazer isso. De novo.
A arte tem o adorável hábito de arruinar todas as teorias artísticas. No livro “Um homem que dorme”, de Georges Perece, pode-se ler: “Você não precisa sair de casa. Deixe-se sentar à mesa e ouvir. Ou nem dê ouvidos... ". E Oblomov, com sua teimosa indolência em busca de um paraíso perdido, parece sugerir o cansaço como única saída. Sem salvação. Ou a única salvação possível. E depois o tédio, em sua forma mais sentido literal, sem paliativos, nuances ou variações, como o único caminho a seguir. Nem um movimento, nem um pensamento. Silêncio. Não fazer nada. Evitar a colaboração. E que seja o regime do ímpeto, com sua linguagem criminosa, para ativar as alavancas dessa vida que passa ao nosso lado, vazias e imprecisas.
A magia também acontece dentro da zona de conforto. Ou cada vez que encontramos a salvação saindo da caixa, outra caixa se abre para nós dentro daquela magia conquistada. Nenhuma salvação. Sartre costumava dizer que se você se sente sozinho quando está sozinho, então você está em má companhia. Esta não é uma solução. Não há problema.
Eu me pergunto se posso fazer isso.
Rogério Nuno Costa
2018
